OTTO

PAÍS: ALEMANIA/CANADA

AÑO: 2008

DURACIÓN: 94 MINUTOS

GUIÓN Y DIRECCIÓN: BRUCE LABRUCE

REPARTO: JEY CRISFAR, NICOLAS FOX

SINOPSIS

Se narra la historia de un Zombie gay que descubre su personalidad tras a sistir a una audición de cine para adultos.

CRÍTICA

Lo mismo que el arte cinematográfico nos encubre en un complejo submundo de géneros que se ramifican en distintas modalidades y diferentes ambiciones según lo invertido. Porque es hora de dejarnos de romanticismos inocuos, no hablamos de un arte aunque se considere el séptimo. Las películas de estreno masivos y dirigidas a las masas son llanamente una venta con finalidades económicos.

Algunos críticos siguen llorando sobre la muerte de los diálogos inteligentes, de los filmes orientados a dimensiones metafísicas. Los cineastas franceses denominados “La Nouvelle vague” el renacentismo italiano. Lloran a lágrima viva la desaparición de Fellini, Godard, o el bajón de Woody Allen.

• Buster Keaton, carcajadas sin un gesto

• Billy Wilder, cuchillas en la máquina de escribir

• Hermanos Marx, contra todo y contra todos

• Tod Browning, el rey del escalofrío

• Orson Welles, la máxima expresión

• Howard Hawks, maestro en todos los géneros

• John Ford, épica y poética

• Frank Capra y las buenas intenciones

• Robert J. Flaherty, ¿para qué la ficción?

• Sam Peckinpah y el western crepuscular

• Stanley Donen, más allá del musical

• John Casavettes, independiente con mayúsculas

• Woody Allen; dios, sexo y mujeres en Manhattan

Todos esos maestros tienen mi admiración como no podía ser de otra forma, otra cosa es la maquinaria actual regida por las normas más elementales del Marketing. Ello no impide que tengamos todavía a Clint Eastwood, Hanecke, Scorcese, entre otros en pos de demostrarnos que no todo se encuentra en estado comatoso. Incluso de vez en cuando sale un tipo con tripas en la cámara sorprendiéndonos por su forma de golpear la platea dando la espalda a la gran industria.

Un buen ejemplo sería Mel Gibson con su Jesucristo echo a base de tortura física o esa Apocalipto recuperadora de una forma esencial de las aventuras sin coreografiás a base del digital, saboreando la suciedad en cada escena de auténticas luchas rodadas con el estomago.

Todos esos escritores se dedican a alabar a maestros ya reconocidos, otros simplemente solo se adhieren a la moda del momento o al siguiente taquillazo que se intenta promocionar. ¿Pero que pasa fuera del convencionalismo? ¿Que ocurre cuando no se involucran poderosas firmas en el negocio o no se cuentan con estrellas de relumbron? ¿Quien se encarga de intentar dar a conocer lo que se rueda entre amigos? Seguramente dentro de lo llamado Underground, Bizarro, o el extremismo ya sea en imágenes o discurso nunca logrará aupar a sus creadores. (Ya se el ejemplo de Peter Jackson pero eso son casos aislados, además el neozelandes ambicionaba su posición actual, otros no les interesa en absoluto entrar en la primera división).

La mayoría de directores, actores, dedicados por definirlo de alguna manera al celuloide maldito suelen distribuir en festivales de mala muerte, algunas copias que duran un par de días en estanterías de video-clubs casposos o se pasan en algún canal por cable en media madrugada solo para rellenar programación. Los críticos o historiadores cinematográficos obvian su existencia, el espectador que las ve por accidente suele intentar el suicidio. Les hablo de gente que no busca el éxito, no les interesa el dinero, hacen lo que pueden movidos por un amor irracional y lo más importante es que seguramente tengan elementos en el cerebro que no terminan de funcionar adecuadamente. Esa bendita locura que regala a seres extraños cómo el que escribe está jodida parrafada sin saber bien el motivo, bueno tengo uno bien claro. Hablarles de uno de estos filmes subterráneos que sólo podrán leer de él en antros cómo mi blog o del amigo David Gore que me la recomendó.

Otto es carne de olvido o mejor dicho seguramente condenadas incluso antes del rodaje a la ignorancia. Permitanme repetirlo “IGNORANCIA”.

Tenemos que ser cuatro desgraciados aficionados o blogs de medio pelo los que demos a conocer propuestas oscuras, desgarradoras, llenas de imaginación. Olvídense de cinemania, fotogramas e idénticas, ninguna de ellas les apetece mirar al infierno de unos productos que también tienen un esfuerzo titanico.

Bruce la Bruce se dedica al cine homosexual para adultos y debuta dentro de lo convencional a medias claro. Con actores dedicados al mismo negocio que su director o directamente amateurs se construye un carrusel de puchedumbre, muerte y pura pornografia. Una puerta al infierno llena de diálogos deformes y protagonizada por un zombie que además de comer carne humana se traga los bajos de sus victimas con un gran apetito sexual.

No solo de pornografía explicita se compone el largometraje del autor de Hustler White se atreve a ironizar sobre aspectos políticos del panorama actual, disparar sobre algunas asociaciones Gays que confunden la libertad de expresión con el mal gusto y la gratuita perversión en pos de una libertad que solo la quieren para sus usos egoístas.

Sin embargo Otto no se olvida del gore extremo, la violencia tildada en una fotografía granulosa testigo de los exiguos medios que le da un aire documental realmente apreciable en sus escenas más crudas que sorprendente mente disponen de un buen maquillaje, también se agradece una entonada banda sonora. Incluso los intérpretes “No profesionales la mayoría” cumplen siempre desde unos parámetros caricaturescos que les permiten el derroche facial en sobreactuaciones que no desentonan con el conjunto que al fin y al cabo es extremo en toda su concepción.

Otto es un cóctel de angustia adolescente, sangre, enfermedad deudora de la radicalidad de los 70 u 80. El protagonista no disfruta con la carne humana, su relación con su novio finaliza trágicamente, odia a los humanos que le miran por encima del hombro, denunciando de está forma el discurrir de nuestros días infectados en designios de ambición dirigiéndonos encorsetados en una falsa felicidad que nos impide respirar la libertad. Todo eso y mucho más nos expone este producto al que sólo se le puede acercar los comensales del Frikismo más alocado. Por ejemplo el nombramiento de un equipo de zombies gays dispuestos a acabar con todos los heterosexuales. Verla para creerla y desde luego no se le puede pedir una narración convencional ni un guión coherente, ya que este cine hace de la incoherencia su máxima expresión.

Un crítico serio seguramente intentaría prender fuego a la cinta, en fin ellos se lo pierden. De vez en cuando mola pasar de la seriedad y adentrarnos en el mundo de la locura y simplemente dejarse llevar en la experiencia.

Lo Mejor: Su argumento simplemente una genialidad llena de demencia.

Lo Peor: Evidentemente su narración no es del todo clara y algunos tecnicismos no están logrados.

Un 8,5

5 comentarios

Título original: Lake Mungo

Nacionalidad: Australia | Año: 2008

Director: Joel Anderson

Guión: Joel Anderson

Intérpretes: Talia Zucker, David Pledger, Rosie Traynor

GÉNERO: TERROR

SINOPSIS

La familia Palmer pasa unos días en una presa. La tragedia les llega cuando su hija Alice no sale del agua. Después de muerta parece que vaga por su cuarto.

CRÍTICA

Hace poco desde el país de los canguros nos llegaba el notable éxito “Wolf Creek”. El debut de Joel Anderson en el largo. En el 2002 estrenaba un corto titulado “The Rotting Woman”, Lake Mungo fue rodada en 2008 y no ve la luz hasta este año gracias al After Dark 2010. Festival que nace con la iniciativa de ofrecer distribución a productos desconocidos incluso en cines en EEUU y en DVD en muchos países.

En otras ediciones por decirlo suavemente no me convencieron las propuestas apoyadas por los miembros del After Dark. Para la ocasión debo reconocer que esta vez mis reticencias fueron infundadas ya que Anderson ofrece un filme realmente apreciable sin estrellas, sólo Talia Zucker tiene cierto nombre tras participar en “Ned Kelly”.

Dentro de la vía de los Mocumenataries es decir falso documental, no me refiero a por ejemplo “Paranormal Activity” el falso documental tiene entrevistas que pretende pasar por reales y testimonios que en realidad son echos sobre actores que interpretan su papel. Algo parecido al trabajo de Peter Jackson en la notable “Forgotten Silver”.

Una familia que debe sobrevivir a la desaparición de una hija agravada por fenómenos extraños centrados en Alice. Sueños que perturban a la madre, ruidos en la habitación de la niña, grabaciones de video inexplicables. Lo que les llega a descubrir secretos que nunca hubiesen imaginado, entrando en mundo oscuro de obscenidades adolescentes. Todo ello planteado con un guión inteligente que tiene algunas trampas y giros bien explicados, interpretaciones meritorias de todo el reparto, fotografía granulosa que te introduce en la malsana ambientación donde la banda sonora aporta la dimensión requerida.

Las pausas bien conducidas en los testimonios demuestran cómo con un sentido de la naturalidad excelente el director sin acudir a histrionismos innecesarios nos mete una incomodidad palpable en cada plano. Su punto negativo converge en el dramatismo algo telenovelesco que se apropia a mitad de metraje dejando momentos que no conducen a ninguna situación apoderándose un aburrimiento peligroso que por suerte logra remontar el vuelo en una parte final muy inspirada. Creo que Lake Mungo se debe considerar un drama con elementos sobrenaturales antes que cine estrictamente de género. Interesante propuesta.

Lo Mejor: La naturalidad en que se maneja la narración.

Lo Peor: Momentos de auténtico aburrimiento.

Un 6,5.

Un ex ACB afirma que la culpa de que haya tantos muertos en Haití la tienen los haitianos

Si no lo leen bien yo lo repito, les aseguro que no estoy fumado y que el jugador de baloncesto ex de entre otros el DKV Juventud y procedente de EEUU, que supongo no lo conoce ni su padre, el llamado Paul Shirley relata que la culpa de la desgracia de Haití es de ellos mismos y les recomienda que utilicen condones.

Realmente yo hubiese recomendado a tu madre que abortara antes de traer al mundo aberraciones como tú, suerte tienes de nacer en un país industrializado y encima dedicarte al baloncesto de forma profesional con lo que supongo nunca pasaste apuros económicos y la vida más o menos se porta bien contigo.

Si hubieses nacido en un lugar tercermundista, sin posibilidades ni riqueza suficiente para evitar o prevenir desgracias, seguramente rezarías por algo de ayuda. Yo no escribo para el periódico el país, ni e jugado en la ACB, evidentemente mi economía no es riqueza pero si doy gracias a dios por no sucumbir a la miseria de ciertos estados. Si que done dinero, poco pues repito un me puedo permitir grandes dispendios. Lo que no termino de entender es la necesidad de dar voz a gentuza de tu calaña, esos cañoneros que lo ven todo cómodo bajo el prisma de una vida acomodada. ¡Tú tendrías que estar en Haití! ¡Vivir por solo un instante el dolor del hambre y la enfermedad! Tal vez cuando hubieses visto la muerte de cerca y probado su sabor aprenderías lo que es sufrimiento, entonces puede ser que mantuvieses tu jodido pico cerrado.

Cada vez me da un poco más de asco la condición humana.

El link:

http://www.marca.com/2010/01/27/baloncesto/acb/1264581871.html

NINE

GÉNERO: DRAMA MUSICAL

EEUU-2009

DIRECCIÓN: ROB MARSHALL

GUIÓN: MICHAEL TOLKIN, FEDERICO FELLINI

MÚSICA: HRVEY WEINSTEIN, JOHN DE LUCA

REPARTO: DANIEL DAY LEWIS, NICOLE KIDMAN, PENELOPE CRUZ.

SINOPSIS

Un director de cine se encuentra en una gran crisis personal, sus últimos trabajos son grandes fracasos y las mujeres de su vida no dejan de agobiarle.

CRÍTICA

Las peripecias de Federico Fellini durante el rodaje de ocho y medio se salda con una cinta insulsa, aburrida, tópica que prometía cine de alta escala gracias a Rob Marshall que ya triunfara en el musical con chicago y al grupo de de grandes actrices que desfilan en el cast.

La protagonista de “Moulin Rouge” Nicole Kidman, la madura diva italiana vista en clásicos de la talla de “Matrimonio a la italiana” Sofia Loren, nuestra ganadora del Oscar por “Vicky Cristina Barcelona” Penelope cruz rivalizando por el amor de Daniel Day Lewis el que se llevo la estatuilla por “Pozos de ambición” con la vista recientemente en “Enemigo Publico” Marion Cotillard.

Todo este grupo estelar es desaprovechado en un mar de números musicales alargados en exceso aludiendo una gran falta de coordinación en sus coreografiás, sin hablar de unos personajes de bajo calado. Los que les toca defender a Kidman y Loren son casi caricaturescos. Solo el siempre Genial Lewis y Marion Cotillard logran mantener el tipo en ese guión tópico de principio a fin. Bien en el vestuario, fotografía, con algunas secuencias logradas pero el conjunto nada en la decepción y en el aburrimiento en el alargamiento innecesario de muchas secuencias.

Lo Mejor: Daniel Day Lewis por encima de todo el desaguisado.

Lo Peor: Resulta insulsa.

Un 3.

MINI-CRÍTICAS

LA CUARTA FASE

Tostón sobre abducciones extraterrestres con toques documental que en ningún momento logra transmitir sensaciones al espectador.

LOS GUERREROS DEL BRONX

Divertida explotación italiana tomando la base de Walter Hill en su celebrada The Warriors con mucho divertimento.

THE HURT LOCKER

Puro cine echo con un buen par de cojones cómo hace tiempo no se veía. Karthryn Bigelow se atreve a romper moldes y nos entrega pura demencia en pantalla.

3 comentarios

LA HERENCIA VALDEMAR

AÑO: 2010

GUIÓN Y DIRECCIÓN: JOSÉ LUÍS ALEMÁN

ESPAÑA

TERROR

INTÉRPRETES: EUSEBIO PONCELA, ÓSCAR JAENADA, PAUL NASCHY

SINOPSIS

Los textos de Lovecraft son los protagonistas de la trama que comienza con la desaparición de una tasadora de inmuebles que se traslada a la mansión de Valdemar.

CRÍTICA

Realmente no puedo entender el continuo ardor publicitario sobre este producto. Realmente parece que todas las publicaciones del país se ponen de acuerdo en alabar las excelencias del debutante José Luís Alemán que tras la trágica muerte del protagonista de La noche de Walpurgis y director del Caminante entre tantas. Evidentemente me refiero al icono del fantástico español Paul Naschy que ofrece una intervención póstuma (Que no última ya que tiene pendiente de estreno Impulsa y la segunda parte de este díptico)

Ello a contribuido si cabe una mayor campaña promocional aludiendo al corazón del fan del hombre lobo patrio, sin olvidar otros reconocidos intérpretes entre los que destacan el Camarón Óscar Jaenada y Eusebio Poncela que también es una importante referencia en el género ya que protagonizara la inolvidable Arrebato.

Estos nombres se unen al del alabado escritor H.P Lovecraft, fuente de inspiración en multitud de realizadores. Stuart gordon, Roger corman acudieron a la locura y genialidad de tan insigne creador. En ocasiones el resultado fue simplemente horroroso, me entran escalofríos cuando recuerdo “La Mansión de los Cthulhu” donde Piquer Simón orquestaba un auténtico despropósito tomando en vano el nombre del creador.

El Horror de Dunwich”, “La llamada de Cthulhu”, “La Sombra sobre Innsmouth”o “El caso de Charles Dexter Ward” son algunas de las obras que sirven como inspiración a un título en el que personajes de ficción se solapan con otros reales como Bram Stoker, Belle Gunnes, el inquietante Aleister Crowley o el propio Lovecraft. Fuera de todo estos datos, otra de las bases en las que se basculan tanto elogio al filme incluso antes de su estreno es la tan cacareada

falta de subvenciones. Logrando un holgado presupuesto salido de productores interesados en el guión ofrecido. Lo que nos vende al debutante cómo un genio de la gestión y con un buen par de cojones para sacar adelante su parto contra viento y marea. Todo ello es muy bonito pero el resultado final es altamente decepcionante.

Se nos presenta un prologo alargado hasta el tedio en una presentación de personajes ciertamente desafortunada acompañadas de unas interpretaciones desacertadas de todo el reparto. Al parecer alguno se creía que presentaba un capítulo piloto de lo que sería una serie, cuando la verdad lo que se pretende es crear una saga con identidad propia. El terror clásico que tanto hacen alusión diversos medios brilla por su ausencia. Entre otros problemas no se disipa ni tensión, ni intriga, ni la agobiante atmósfera que suele acompañar a títulos verdaderos catalogados de Terror clásico.

El responsable tendría que estudiarse la obra de Mario Bava, algunos filmes de la Hammer y tal vez capte lo que verdaderamente es lo gótico y el clasicismo. Porque por el momento lo único que demuestra es que sabe promocionarse, no tanto ponerse tras las cámaras.

Un guión de una mediocridad indigna, nos muestra como débil hilo conductor la desaparición de una tasadora de antigüedades a la que sigue una investigación policial que se adentra en el pasado de Valdemar en una ruptura brusca que deja al espectador totalmente perplejo. La dirección no demuestra recursos en unos Travellings alargados de forma innecesaria y una cámara que nunca se mueve convenientemente.Algo que se esperaba cuando José Luís nos dejaba con la boca abierta al aclarar el porqué no adaptaba un relato concreto. El hombre suelta la frase que los relatos de Lovecraft tienen mucho diálogo y descripción para ponerlos al servicio cinematográfico. Cuando precisamente el autor solía destacar por sus diálogos sencillos y sus descripciones directas al grano. El desconocimiento va más allá cuando nos presenta un tono amoroso en todas sus imágenes. La narración de Lovecraft pocas veces por no decir ninguna acudió a temas románticos. Todo lo contrario, su obra basculaba en la demencia del mal que caracterizaba sus mundos enfermos.

Solo se puede alabar ciertos aspectos técnicos. Se cumple en el vestuario, decorados que dan una caracterización de la época apropiada, también los tonos oscuros de su fotografía son acordes y la banda sonora emite notas interesantes. Los efectos especiales digitales chirrían un poco.

En definitiva un alud de información que una vez estrenada demuestra que Alemán sabe venderse pero su talento es limitado para algo tan ambicioso.

Lo Mejor: La caracterización de la época.

Lo Peor: El desconocimiento total de la obra de lovecraft, realmente imperdonable si pretendes mostrar su universo.

Un 2,5.

http://www.megaupload.com/?d=BBNUUS6C

Aquí teneis el enlace de esta publicación del amigo Antonio Torres sobre cine de alcantarilla. Yo tengo el placer de colaborar y desde luego le deseo mucha suerte.

TÍTULO ORIGINAL: UP IN THE AIR
PAÍS: USA
ESTRENO EN USA: 25/12/2009
ESTRENO EN ESPAÑA: 22/01/2010
PRODUCTORA: DREAMWORKS PICTURES (PARAMOUNT)
DIRECTOR: JASON REITMAN
GUIÓN: JASON REITMAN & SHELDON TURNER
REPARTO: GEORGE CLOONEY, JASON BATEMAN, VERA FARMIGA, ANNA KENDRICK.
CLASIFICACIÓN: MAYORES DE 18 AÑOS

SINOPSIS

Ryan Bingham es un tiburón de los negocios que se dedica a despedir a la gente que le indica su empresa. Realizando el trabajo sucio que las altas esferas le encomiendan, todo se complica cuando en su vida aparece el amor.

CRÍTICA

Ivan Reitman al que cualquier nostálgico debe tener en cuenta sus cazafantasmas. Creo que además de agradecerle su trabajo tras las cámaras debemos felicitarle por ser el progenitor de un pupilo de eficiente talento. Me refiero al autor de la exitosa Juno y la más desconocida Gracias por fumar Jason Reitman que repite con Bateman al que vimos en la piel de un hombre asediado por las obligaciones mientras se desangraba su corazón rockero en un sueño imposible en la comentada Juno.

El verdadero protagonismo es para el doctor de Urgencias George Clooney que flirtea con la sufridora madre de la huérfana la siempre brillante Vera Farmiga. Clooney no es un gran actor, no obstante conoce sus limitaciones y sabe potenciar sus cualidades que desde luego las tiene y no me refiero a su indudable atractivo físico que es un gancho para toda fémina que se precie.

Carisma de aire canalla que combinado a su forma irónica de llevar ciertos personajes hacen de él un interprete solvente en papeles que requieran un caradura con cierta ambigüedad moral. Por tanto el protagonista de Up In The Air le sienta de maravilla en ese hombre frío que se siente feliz en una vida llena de viajes, aeropuertos, coches de alquiler, hoteles.

Un tipo que no se arruga a la hora de deshacerse de pobres trabajadores ya que su corazón no siente afecto a la hora de desempeñar sus funciones poco humanistas.

Todo cambia con la entrada del sexo femenino en su vida, una joven psicóloga que le hace plantearse ciertos ideales y una inteligente Femme Fatale Que por primera vez pondrá a prueba los sentimientos de nuestro protagonista.

Reitman vuelve a conseguirlo, nos hace simpatizar con un personaje que en la vida real seguramente odiaríamos. Solo figúrense un tipo egoísta que vive la vida a lo grande dejando sin trabajo a pobres padres de familia. Recuerden el papel de Aaron Eckhart en Gracias Por Fumar, un verdadero cabronazo que no duda en defender el consumo tabacalero ya que eso es lo que le da de comer, o el ya comentado irresponsable de Juno que es capaz de dejar una mujer en la estacada por cumplir un sueño casi imposible. La magia del autor es transformar a esas personas en un principio irascibles en seres humanos con sus miserias, hombres y mujeres que en el caminar de la vida se equivocan en algunas decisiones. No son héroes, ni siempre escogen lo mejor para ellos ni para el prójimo. Tampoco son malvados, todos tienen sus anhelos escondidos en una coraza. Por eso nos caen bien, simplemente Reitman sabe darles vida para que nos identifiquemos en nuestras propias miserias.

Otra baza del filme además del buen trabajo interpretativo uniendo un guión de diálogos bien perfilados es el análisis directo de la crisis que asola nuestro mundo en estos momentos.

Vemos pasar a gente que se ve desprovista de la forma en que se ganan el pan sin explicaciones con una palmadíta en la espalda como si la cosa no fuera grave.

Una brutal situación que por desgracia muchos espectadores les puede haber tocado vivir en sus propias carnes. Se bascula entre el drama y la comedia jugando a la insinuación transportándonos por un mundo que creemos conocer girando hacia una sorpresiva parte final que mantiene la atención del espectador. La puesta en escena es realmente positiva con una fotografía bien elaborado, destacando unos perfectos planos aéreos que acompañan a oficinas vaciás de vida. La banda sonora discurre por sonidos de la calidad de Crosby, Stills & Nash. Lo único que le echo en falta a tan notable filme es una mayor carga emocional, hubiese sido de agradecer una mayor crítica, algo más sangrante para los temas tan delicados que trata. Por contrario se apuesta por una baza romántica que endulza su fuerte discurso. De todas formas altamente recomendable.

Lo Mejor: Sus Diálogos e interpretaciones.

Lo Peor: Se echa en falta más mala leche.

Un 7,5.

LA CINTA BLANCA

DIRECCIÓN Y GUIÓN: MICHAEL HANEKE

PAÍS: AUSTRIA/ALEMANIA

2009

DURACIÓN: 145 MINUTOS

MÚSICA: VARIOS

FOTOGRAFÍA: CHRISTIAN BERGER

DRAMA/INTRIGA

REPARTO: SUSAN LOTHAR, ULRICH TUKUR, THEO TREBS.

SINOPSIS

Inquietantes acontecimientos se ciernen sobre un pueblo del norte de Alemania en 1913 justo antes de la segunda guerra mundial.

CRÍTICA

¡No tengo Palabras! ¿Quien puede estar facultado para escribir sobre algo que le supera? Podemos utilizar miles mecanismos lingüísticos, les aseguro que ninguno de ellos podría acercarse a describir una obra maestra tan descomunal de Michael Haneke que vuelve a contar en el reparto con Susan Lothar. Una habitual en su obra vista en la original “Funny Games” por ejemplo.

La cinta blanca pasa por distintos géneros. Drama, Terror, Intriga incluso bascula dentro del cine histórico con altos contenidos religiosos y políticos. Con ritmo apaciguado acompañado de una fotografía en blanco y negro de aire crepuscular otorgando unas imágenes de perturbadora belleza a las que también acompañan su maravillosa banda sonora y unas interpretaciones magistrales de todo el reparto.

Niños secuestrados y horriblemente torturados, graneros quemados, el miedo en el rostro de unos habitantes desconcertados. Una voz en off perteneciente al maestro de un pequeño pueblo alemán nos introduce en la pesadilla vivida por gente que se ve superada por lo acontecido. El cirujano Haneke vuelve a penetrar en nuestros miedos en unos Travellings que son puro arte ensarta con naturalidad un mundo de miradas gestuales con la naturalidad de la decadencia hervida en un plato condimentado por el mal presente en cada fotograma.

Todo ser humano que aparece en pantalla oculta secretos que hielan la sangre, detrás de cada pared hace acto de presencia la succión de diversas ambigüedades concentradas en perturbar al espectador sin necesidad de artificios. Todo fluye a la altura de un maestro, de un genio de un cineasta obligado a pasar a nuestra historia. Simplemente haneke es muy grande.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: ¿Porqué se tarda tanto en reconocer a Haneke como unos de los grandes cineastas de la historia cinematográfica?

Un 10.

MINI-CRÍTICAS

TROMEO Y JULIETA:

Auténtica locura de la troma que toma el clásico de Shakespeare envolviéndolo en demencia y suciedad. Curiosa pero algo pasada de vueltas. Solo para fans de la productora.

UNA MANSIÓN SÁDICA:

El Ultragore alemán está de vuelta con esta sanguinaria sucesión de imágenes que al menos por una vez cuenta con un mínimo guión y cierto rigor cinematográfico.

LA DECISIÓN DE ANNE:

Imposible drama que busca hacer llorar a la platea con trucos de artificio. Puesta en escena parecida al Telefilme de sobremesa en un pastiche de grandes proporciones.

THE LOVELY BONES

DRAMA

GUIÓN: PETER JACKSON; FRAN WALSH

REPARTO: MARK WHALBERG, RACHEL WEISZ, STANLEY TUCCI, SUSAN SARANDOM.

2009

SINOPSIS

Todo gira en torno a Susie Salmon, una niña de catorce años asesinada en 1973. Tras su muerte vive entre dos mundos, pidiendo que su asesinato no quede impune.

CRÍTICA

Basada en una novela de Alice Sebold que al parecer es autobiográfica ya que la escritora vivió una violación en primera persona, esto sirve de base a Jackson para volver al cine de forma más intimista del tipo “Criaturas celestiales” tras la saga de los anillos y la excesiva King Kong.

Contando con un reparto de primer orden donde destacan el Max Payne “Mark Whalberg, la protagonista de agora “Rachel Weisz” y el siempre excelente secundario “Stanley Tucci” Visto hace poco en Algo pasa en Hollywood.

El filme se adentra dentro de los parámetros del drama criminal que evidentemente afecta a la familia de la victima. Ya hace mucho tiempo de los desfases del realizador Neozelandes. “Braindead” “Mal Gusto” marcaron sus primeras pautas tras la cámara. Después ya sabemos que su carrera se transforma en un bálsamo comercial de primera índole, orquestado por presupuestos gigantescos. Lo que no es óbice para mantener cierto estilo bizarro, salvaje y ciertamente caricaturesco sobre todo en sus montajes. The Lovely Bones en un principio se presenta espesa, familia típica americana rodada a ritmo de telefilme. Todo cambia con el crimen que desencadena la trama. De repente pasa de lo ramplon a lo excesivo, al parecer el autor es traicionado por su propio ego. Desde el momento en que la asesinada entra en el purgatorio o lo que sea ya que el guión no deja claro. Se sale de madre en un delirio puramente devastador. Es verdad que todo resulta sumamente bello. La fotografía de intensos colores, la banda sonora de tonos líricos, todos esos decorados de infinitos campos. Es realmente poético, imaginativo incluso aunque si quieren que les diga la verdad resulta empachoso.

Lo bueno es que cada plano parece intentar volver a encadenar nuevos méritos rayando en una exageración que desconecta de una trama policial cogida con alfileres. Los personajes con poca chicha, padres destrozados que buscan la verdad en un argumento mil veces visto y poco enfatizado por el cara palo Whalberg mientras que Weisz solo es la madre que no para de llorar la perdida de su hija sin añadir ninguna personalidad a su inefable caracterización, poca culpa de la actriz si se encuentra con unos diálogos imposibles.

Solo Stanley Tuccy tiene material en pos de demostrar su sabida calidad interpretando sólidamente un Freak obsesivo y solitario de intenciones perturbadoras. Su mirada hiela la sangre.

Peter Jackson se traiciona intentando llevar el lirismo a la máxima expresión,lo consigue en ciertos puntos pero deja un guión de poca impronta solo adornado con un empaque ensordecedor que no trae consigo una narración convincente.

Lo Mejor: Stanley Tuccy.

Lo Peor: Empacha y Mark Whalberg desacertado.

Un 4,5.

INVICTUS

PAÍS: EEUU

DURACIÓN: 134 MINUTOS

DIRECTOR: CLINT EASTWOOD

GUIÓN: ANTHONY PECHAM

(LIBRO: JOHN CARLIN)

FOTOGRAFÍA: TOM STERN

MÚSICA: KYLE EASTWOOD

INTÉRPRETES: MORGAN FREEMAN, MATT DAMON, JULIAN LEWIS JONES

SINOPSIS

Basada en el libro de “Human Factor” se ambienta en la salida de la cárcel de Nelson Mandela convirtiéndose en presidente de Sudáfrica llevando la paz a través del deporte.

CRÍTICA

Clint Eastwood es uno de los pocos directores clásicos que nos queda en el celuloide. Sin grandes alardes suele ambientar sus historias implecablemente. En su nuevo trabajo vuelve a contar con Morgan Freeman tras “Sin Perdón” o “Million Dollar Baby” acompañado del Jason Bourne “Matt Damon”.

Nos encontramos con una biografiá no del todo completa de Nelson Mandela, ya que sólo profundiza desde su salida carcelaria al plan que lleva a cabo para pacificar las razas utilizando a su favor la selección de Sudáfrica de rugby y su estrella Francois Pienaar. Eastwood envuelve con su maestría habitual la dirección de actores, sacando interpretaciones ciertamente meritorias de ambos protagonistas. Cada partido de rugby es una lección de encuadre en cada plano y un montaje delicioso. La banda sonora del hijo del realizador está a la altura, rallando a buen nivel. Lo mismo se puede decir de su apreciable fotografía y la cuidada ambientación de la época.

Diálogos directos bien escritos y que suenan auténticos en esta mezcla de denuncia y deportes. De todas formas se utiliza un tono demasiado meloso intentando tocar la fibra sensible del espectador con un discurso algo blando que en todo momento se echa en falta una mayor garra para el acontecimiento histórico en que se centra. La narración confluye con altibajos llegando a secuencias agotadoras. Un Clint menor que a pesar de todo despacha un filme apreciable por debajo de obras maestras como por ejemplo “Mistic River”. Tal vez el maestro de los primeros síntomas de agotamiento.

Lo Mejor: Sus protagonistas sobre todo un gran Freeman.

Lo Peor: Se echa en falta mayor dramatismo.

Un 6,5.

MYNA SE VA

GÉNERO: DRAMA

90 MINUTOS

ESPAÑA

2009

DIRECCIÓN Y GUIÓN: SADRAC GONZALEZ

Y SONIA ESCOLANO

INTÉRPRETES: MARÍA DEL BARRIO FERNÁNDEZ, DAVID LÓPEZ, FRAN

SINOPSIS

Myna es una inmigrante de un país del este que trabaja como asistente para un matrimonio y su hijo pequeño.

CRÍTICA

Pareja de cortometrajistas que ya destacaran por ejemplo en “El señor del cuello largo” donde ya contaron con la joven y altamente prometedora María del barrio.

La hermosa actriz “Silvia Giner” y amiga personal del que escribe me mandaba un mail entusiasta sobre el filme “Myna se va” debut cinematográfico del dúo especializado en cortometrajes y montajes teatrales.

Tras enterarme de los irrisorios seis mil euros de su presupuesto teniendo en cuenta los resultados obtenidos no tengo otra que dar la razón a todos los especialistas que halagan este difícil filme de dramatismo seco que arrasa en festivales internacionales.

Rodada en las antípodas del cine español, se respira la libertad que ofrece una producción a espaldas de la industria que para bien o para mal sólo se la puede adueñar a sus realizadores que nos cuentan una malsana apología sobre la inmigración, nuestras miserias, el miedo o la injusticia siempre presente en nuestra sociedad con una apabullante interpretación de María del barrio dotando a su personaje de vulnerabilidad y maldad a partes iguales.

Imágenes quemadas que esconden su árida fotografía, vestuario limitado aprovechando sus pocos decorados abriéndose a localizaciones más naturalistas. Debo repetir que se trata de un producto de presupuesto ínfimo con las dificultades técnicas que ello contempla. Por lo tanto a mi entender sería injusto juzgarla dentro de esos factores, yo la juzgo por su valentía tanto argumental como por atreverse a rodarla en casi su totalidad con planos secuencias.

Una escena dura media hora con el mismo plano, algo nunca visto que sin embargo no quita tensión a lo acontecido ya que se presenta imágenes perturbadoras llenas de violencia, sexo y sadismo.

Un filme diferente, libre de ataduras, sobrecogedor y bien escrito. Felicidades a sus creadores.

Lo Mejor: María del barrio y su denuncia en un guión de gran inteligencia.

Lo Peor: Carece de una distribución importante y por supuesto se resiente en ciertos aspectos técnicos.

Un 7.

MINI-CRÍTICAS

COLIN: Interesante propuesta donde se cuenta la historia a través del zombie. Gran interpretación del protagonista e impactante desarrollo en un film prácticamente amateur que conquistó Cannes. Recomendable.

Sherlock Homes: Tan solo el duo Jude Law y Robert Downey salvan a la cinta de la mediocridad absoluta.

Gemidos De Placer: Jesús Franco adapta al Marques de sade en una explotación sexual de ínfima calidad.

Mutants: Zombies a la francesa de frenética acción que no aporta nada nuevo pero resulta altamente entretenida.

POCOMAS:Nuevo número de la revista que como es habitual cuenta con mi colaboración.

http://pocomasmagazine.com/zip/revista19.html

TRIANGLE

NACIONALIDAD: GRAN BRETAÑA/AUSTRALIA

2009

DIRECCIÓN Y GUIÓN: CRISTOPHER SMITH

INTÉRPRETES: LIAM HEMSWORTH, MELISSA GEORGE

TERROR

SINOPSIS

Una joven se dispone a pasar un día en el mar en el velero de unos amigos. Tras una terrible tormenta terminan a la deriva. Siendo rescatados por un barco. En el interior parece que están solos. Se darán cuenta de que no…….

CRÍTICA

El proyecto más personal de Cristopher Smith autor de Severance y Creep donde cuenta con la hermosa Melissa George. Actriz experimentada en el género tras protagonizar Waz o 30 días de oscuridad entre otras.

Guión de su propia mano que tardara un par de años en retocarlo, termina ofreciendo una obra ciertamente extraordinaria muy por encima de sus anteriores trabajos que por otra parte ya me parecieron disfrutables. Para la ocasión adelanta varios pasos en madurez cinematográfica con un slasher a priori rutinario convertido en una sorprendente alucinación de viajes temporales en la línea de la española los cronocrímenes o la muy independiente Primer.

Se nos presenta en primer lugar la madre coraje protagonista. Treintañera divorciada que carga con la responsabilidad de cuidar a su hijo autista. Un día le ofrece un buen plan. Pasar unas horas tranquilas en un velero invitada por su colega Greg. Todo se rompe con la aparición de una sorpresiva tormenta que daña considerablemente la embarcación. La desesperación hace mella en los pasajeros, un enorme trasatlántico de los años 30 parece la salvación. Sin embargo tras verse salvados se encuentran en un barco fantasma totalmente vacio, la pesadilla comienza.

Lo que viene es un rompecabezas que parece cortarse en diferentes piezas. Apoyándose en el pasado, presente, futuro confluyéndose en un espacio temporal que con gran precisión encajan perfectamente en el desarrollo de una trama simplemente perfecta. Todo es tan sencillo que asusta en el devenir de cada acontecimiento que abre una nueva vía de horror.

Si las características del guión son sobresalientes, de igual modo se puede catalogar su conjunto técnico. Los decorados de la embarcación cumplen a la perfección su papel. Cada pasillo está recubierto de una oleada tétrica, los interiores sombríos son los adecuados en una historia llena de intriga y psicosis. La iluminación y fotografía acentúan la palidez de ciertas secuencias otorgándoles un marco surrealista en contraste con la oscuridad del desarrollo en interiores. Los efectos especiales impactantes sobre todo en el momento de la tormenta enfermizamente realista, los diferentes ángulos en los que se apoya el realizador para resolver sus escenas de acción son de una elegancia soberbia.

Si todo ello fuera poco, tenemos una Melissa George magistral, actriz que salta de un dramatismo atroz para enfrentarse al mal convertida en heroína. Comiéndose literalmente la pantalla, llevando una perfecta armonía de sentimientos puestas al servicio del filme.

Nos encontramos sin duda ante un espectáculo narrativo y visual, la mejor obra de horror de los últimos años junto a “Déjame entrar” que inexplicablemente sigue sin estrenarse por nuestros lares. Sobra decir que es mejor no esperar gore pues nos encontramos con un relato psicológico. Nada de trucos de efecto camuflados en litros de sangre. Aquí cuenta el guión.
Obra maestra.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: Que todavía no se estrene.

Un 10.

Fin del 2009, un año que personalmente me fue de lujo consiguiendo trabajo en dos fanzines de interés como son “Pocomás” y “Osaka”. Donde mi blog pasa a los dominios de mucho cine logrando profesionalizarse gracias al amigo Víctor Trujillo y Loco por el cine también me acoge en sus brazos dándome la oportunidad de colaborar en onda cero burgos. Por si fuera poco empiezo a trabajar en el blog del genial crítico de cine Miguel Payan, evidentemente es todo un orgullo. A todos ellos muchas gracias y Feliz Año Nuevo, al igual les deseo a todos los amigos lectores de mi blog y a los que vienen a tocar los cojones también. Ya que la imbecilidad de estos personajes me resulta muy simpática y entretenida. Feliz año a todos. Para terminar el año les dejo con algunas reseñas y noticias no positivas.

SALOMON KANE PAÍS: INGLATERRA DIRECCIÓN Y GUIÓN: MICHAEL J BASSET MÚSICA: KLAUS BADELT

2009

104 MINUTOS

AVENTURAS/CIENCIA FICCIÓN

INTÉRPRETES: JAMES PUREFOY, MAX VON SIDOW, PETE POSLETHWAITE

SINOPSIS:

Un soldado vive atormentado por su pasado en pleno siglo XVI, busca la redención enfrentándose a un siniestro poder.

CRÍTICA:

Robert E. Howard es mundialmente conocido por su creación de Conan. El guerrero que pasa su existencia vagando por inhóspitas tierras repletas de toda clase de criaturas a las que tendrá que hacer frente. Otro de sus personajes comparte afinidad de puntos en común, me refiero a Salomon Kane llevada a puerto por el interesante Michael J. Basset que ya demostrara moverse bien en ambientes sórdidos llenos de suciedad con “Deatchwan” contando con el protagonista de la serie “Roma” un perfecto James Purefoy bien acompañado por el exorcista Max Von Sidow y Pete Poslethwaite al que recordaremos como padre de Daniel Day Lewis en el filme “En el nombre del padre”.

Espectáculo de aventura clásica, espada y brujería que tiene su máximo punto en común con la comentada “Conan el bárbaro” con cierto regusto en lo que a criaturas se refiere al señor de los anillos. Lo más destacable es su sucia atmósfera de la que el realizador demuestra ser todo un especialista. Tétrica, opresiva, llena de apuntes bellos en ciertos paisajes sin olvidar su carga terrorífica y las escenas de acción excepcionalmente rodadas.

La fotografía es su máximo apoyo dotando al producto del empaque necesario en lo que a parajes sombríos se refiere, el vestuario cumple su función, siendo los decorados todo un acierto además de una banda sonora que acompaña con partituras acertadas todas las vivencias del héroe en pos de liberar a Inglaterra de las fuerzas del mal.

El guión respeta la esencia lo escrito por Howard añadiéndole un estilo pulp cercano al comic otorgándole un conjunto ciertamente encantador. Su peor punto en contra es ese final tan abrupto. Déjense llevar por buen cine de aventuras con gotitas de terror que resulta ciertamente recomendable.

Lo Mejor: Su atmósfera.

Lo Peor: Su abrupto final.

Un 8,5.

SEVENTH MOON Y MINI-CRÍTICAS

TÍTULO ORIGINAL: SEVENTH MOON

NACIONALIDAD: USA | AÑO: 2008

DIRECTOR: EDUARDO SÁNCHEZ

GUIÓN: EDUARDO SÁNCHEZ

INTÉRPRETES: AMY SMART, DENNIS CHAN, TIM CHIOU

SINOPSIS:

Una pareja celebra su luna de miel en china, de repente deberán luchar por su vida en un infierno que se levanta tras ellos.

CRÍTICA:

Los primeros diez minutos de Seventh Moon son los que cualquier amante al género de horror podría pedir. Es decir directos a la yugular con ritmo trepidante y atmósfera pesadillesca. Se nos presenta una pareja de recién casados de luna de miel en china disfrutando de parajes desconocidos.

Unas primeras imágenes casi de postal dan paso al despertar de la chica en el coche, en un lugar en ninguna parte solo divisan un páramo rodeado de viejas casas blancas.

El chofer les tranquiliza, va hacia las casas en pos de lograr alguna indicación por donde deban continuar. El tiempo pasa, no aparece, incomunicados en un lugar del que no saben como llegaron.

Abandonan el coche, silencio, sólo silencio. Animales atados que los miran con gesto amenazador.

Voces procedentes del interior de las casas, vuelven al coche asustados intentando encontrar un camino que les saque del atolladero. Algo extraño choca contra ellos.

¿Qué les parece? Yo con este principio donde una extraña atmósfera de pesadilla me produjo escalofríos. Soberbia su fotografía en esa especie de aldea llena de luminosidad donde se siente un espeso hedor a amenaza, la banda sonora logra el objetivo de intranquilizar, Amy Smart, les sonara por su papel en el “Efecto Mariposa” transmite el desconcierto de su personaje. Eduardo Sánchez que años atrás logrará junto a su compañero Myrck ese mega éxito adorado por unos y odiado por otros que es la bruja de Blair, que después demostrara que no le falta talento en la excelente “Altered” firma un principio que hace presagiar una obra maestra.

Lo que sigue es realmente afortunado, literalmente una horda de demonios o cadáveres se abalanza hacia los pobres desafortunados produciendo ciertamente momentos de enorme tensión. Una vez pasados esos primeros minutos de ritmo vertiginoso empiezan las preguntas ¿Qué son estas criaturas? ¿Qué persiguen? Aquí ya se empieza a ver que Sánchez no tiene un guión mínimamente coherente.

Un desbarajuste de persecuciones rodado con cámara al hombro en planos muy cerrados. No se le puede negar el acierto en momentos puntuales que parece meterte en la situación de sus protagonistas, siendo participe los extraordinarios efectos de sonado o la iluminación en ciertos paisajes áridos. Lo malo es que el irritante vaivén de la cámara rompe cualquier atisbo de narración, perdiendo su primera fuerza inicial en un desencadenante de confusas imágenes apenas distinguidas, lo que hace perder el interés de forma alarmante. Los demonios también caen bajo un maquillaje lamentable, siendo de risa sus caracterizaciones y la parte final pierde toda lógica en unas resoluciones de traca.

Vuelvo a repetir que el filme tiene muchos aciertos pero en conjunto decepciona tras su gran arranque sobre todo porque no tiene una historia que respalde la arriesgada puesta en escena.

Incluso algo de gore “Inexistente” podría haber ayudado en salvar su despeñamiento hacia ninguna parte. Una lastima.

Lo Mejor: Sus primeros diez minutos.

Lo Peor: La cámara no deja de moverse. Imposible centrarse en lo acontecido.

Un 4,5.

MINI-CRÍTICAS

TOOTH AND NAIL

Mediocre cinta de zombies que no sale de lugares comunes y tópicos por doquier.

TENIENTE CORRUPTO

El remake del inolvidable filme de Abel Ferrara, nos trae un Herzog realmente juguetón que le da un aire menos dramático y más canalla con la complicidad de un Cage que se nota pasarlo bomba ante el sarcasmo de su modelado personaje. Muy curiosa pero netamente inferior al original.

MUERTES DE ZULUETA Y DAN O BANNON: Nunca podremos agradecer lo suficiente a Zulueta su “Arrebato” la cumbre del terror español. Espero que tu muerte sirva para que al fin ocupes un lugar de privilegio que te mereces.

Dan tú nos distes mucho con tus guiones. Muertos y Enterrados o Alien permanecerán siempre en nuestra memoria. También disfrute mucho con tu faceta de director en “Return of the Living Dead”. Gracias a ambos y siempre seguiréis entre nosotros.