AÑO
2008
DURACIÓN
118 min.
PAÍS Brasil/ Canada DIRECTOR Fernando Meirelles GUIÓN Don McKellar (Novela: José Saramago) MÚSICA Marco Antônio Guimarães FOTOGRAFÍA César Charlone REPARTO Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover, Alice Braga, Gael García Bernal, Yusuke Iseya, Sandra Oh, Yoshino Kimura, Scott Anderson, Isai Rivera Blas PRODUCTORA Coproducción Brasil-Canadá-Japón; Miramax Films

SINOPSIS
Una curiosa epidemia cusa la ceguera en masa en todo un país. Las victimas son encerradas en un hospital sin ningún tipo de atención. En el encierro se darán todo tipo de atrocidades y en la calle dominará el caos y el terror.

CRÍTICA
Fernando Meirelles se ganó el respeto con un par de títulos capitales dentro de los últimos años. El jardinero fiel y Ciudad de dios lo ponían merecidamente en primera línea entre los autores más queridos por la crítica mundial.

Normal que tanto se lleve hablando de este proyecto, no en vano es la traslación de la inolvidable novela del Premio Nobel portugués José Saramago. Se consigue un reparto de calidad con la interprete de magnolia, vidas cruzadas, asesinos entre otras la siempre excelente Julianne Moore, Mark Ruffalo que fuera descubierto en Zodiac, el protagonista de la saga arma letal Danni Glover, el chico almodovar en la mala educación Gael Garcia Bernal y la revelación de entre copas Sandra Oh.

Un gran texto en que basarse, director de enorme prestigio, vacas sagradas dentro de la interpretación, presupuesto abultado. Todo prometía una gran obra. Creo que solo es grande en determinados momentos. Perturbadora si que es, sobre todo en el recorrido por las desérticas calles llenas de hambrientos donde prima el horror ofreciéndonos un mundo terrible donde cada cual busca su supervivencia propia sin importar lo que le rodea. La humanidad vista en su máxima negrura es uno de los puntos fuertes de la trama. El impactante estilo visual con una fotografía excelente, magníficos decorados y vestuario te deja en varias ocasiones hipnotizado sin embargo no todo es estética, sobre todo si estos buenos intérpretes de repente ninguno cumple en su papel. La gran moore se pasea recitando sus líneas con nula emoción, los demás la acompañan en la forma de pasearse en estado de shock por la pantalla.

Meirelles ha dejado poco espacio para la reflexión, a la catarsis a pesar de contar con un material de primer nivel. Llega además “Blindness” en un momento en el que bajo sobredosis de series americanas tipo “Perdidos”, “Los 4400″ o películas como “Soy Leyenda” o “Passengers” se hace más urgente una mayor profundización y fuga de los rutinarios caminos del apocalípsis forzado. No sabe o no puede escapar de sus aspiraciones taquilleras y realiza la película que probablemente le cae más lejos, una adaptación dificultosa que da señales de cómo el Atlántico que separa el Brasil de Meirelles y el Portugal de Saramago se plasma en un producto a medias del que se podría esperar mucho más. Por debajo del libro en que se basa aunque con trazos inteligentes y conseguida visualmente.

Lo Mejor: Su belleza visual.
Lo Peor: Rutinaria en la forma que describe el apocalipsis y unos actores poco inspirados.
Un 5.

Dirección: John Patrick Shanley
País: USA
Año: 2008
Género: Drama
Guión: John Patrick Shanley
Producción: Scott Rudin y Mark Roybal
Música: Howard Shore
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Dylan Tichenor
Vestuario: Ann Roth
Fecha Estreno: 12-12-2008
Estreno en España: 30-01-2009
Reparto: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis.

SINOPSIS
El director John Patrick Shanley adapta su propia obra de teatro con la que fuera galardonado con el Toni. Una monja acusa a un padre progresista de pedofilia.

CRÍTICA
Prácticamente veinte años después de la insulsa Joe contra el volcán vuelve al cine John Patrick Shanley, adaptando su propia obra teatral la duda. Contando para ello con un plantel de lujo, el capote Philip Seymour Hoffman, Meryl Streep retorna a papeles dramáticos olvidando su imagen desmelenada en Mama mia, ante estos dos gigantes cumple perfectamente la encantada Amy Adams.

Optan a los oscars en bloque todo el reparto siendo el duelo entre Hoffman y Streep la principal razón del buen discurrir de la cinta. La duda es un título nunca mejor indicado ya que toda la trama se desarrolla en precisamente las dudas principales de los acusadores. El guión preciso te hace o prácticamente obliga a pensar desde el primer de sus planos siendo poco común en el cine actual. Las preguntas se agolpan.

¿Es culpable el padre Flint o tal vez una victima de una mente retrograda que solo pretende quitarse de encima a alguien que no comparte sus creencias? ¿Por qué esta tan convencida la madre superiora? ¿Quiere realmente descubrir la verdad o por el contrario es una mujer pérfida y fría que ve la oportunidad de acabar con un ambiente progresista que no le interesa? El contexto es denso en todo momento, el juego de medias verdades o vacilaciones razonables produce la paranoia en cada diálogo.

Que nadie crea que todo versa al tema de la pedofilia, es mucho más. Se nos ofrece un retrato claro de la lucha por el poder. Cada personaje pelea por gobernar imponiendo sus ideales.

Como no podía ser de otra manera, el filme se mueve por unos parámetros bastante teatralizados. Sus acciones, que transcurren en interiores y escenarios limitados visualmente, encuentran en la dialéctica y en los envites verbales su principal dinamizador. Indudablemente, la severa interpretación de Streep y la apaciguada melancolía que casi siempre desprende Seymour Hoffman dotarán a estos diálogos de mayor profundidad y carga dramática. Sin embargo, no nos encontramos ante un mero ejercicio de teatro filmado. John Patrick Shanley acompaña diálogos e interpretaciones con un buen surtido de imágenes simbólicas que de forma bella y constante subrayarán muchos de los sentimientos de sus personajes, confirmándole de paso como un director conocedor del medio, y no como un prestigioso literato que se sitúa detrás de una cámara para adaptarse a sí mismo.

Lo Mejor: Los actores en su totalidad.
Lo Peor: Algo teatral.
Un 7,5.

ENTREVISTA AL DIRECTOR Y ESCRITOR CARLOS ATANES

Una Rara avis en nuestro país es este autor que desata pasiones y fobias a parte iguales. Su largometraje FAQ es un filme renovador dentro de los cánones del cine español, tal vez la única distopía realizada en nuestros lares.

FAQ gana el premio a la Mejor Película en el International Panorama of Independent Filmmakers de Atenas, en octubre de 2005 y es nominado al Premio Méliès de Plata de Cine Fantástico Europeo en Fantasporto 2006.

En 2007 estrena PROXIMA, su segundo largometraje de ciencia-ficción, en Fantasporto y en el Festival de Ciencia-Ficción de Londres (Sci-Fi-London).

En 2008 reúne sus tres cortometrajes más bizarros y underground en el CODEX ATANICUS, una antología que lleva camino de convertirse en una obra de culto, a juzgar por la reacción entusiasta de los críticos independientes norteamericanos.

Como escritor, ha tocado casi todos los géneros: guión cinematográfico, ensayo, novela, teatro, cuento y, sobre todo, numerosos artículos, la mayor parte de ellos publicados en internet. Tiene cuatro libros publicados. Entre ellos Los trabajos del director un ensayo sobre como realizar cine sin pasta ni ayudas.

AP: ¿De donde nace la idea de FAQ? ¿A que se debe según usted tanto odio y a la vez admiración a esta obra?

CA: Ojalá lo supiera, me sorprenden tanto el uno como la otra. Si diera con el mecanismo para suscitar odio y admiración con cada cosa que hiciese no me cansaría de usarlo. Polarizar al público es casi tan divertido como saltar en paracaídas (y en ocasiones como saltar sin él).

La idea de hacer FAQ… Pues sinceramente, hace tanto tiempo de eso que ya no recuerdo de dónde salió. Supongo que del mismo sitio de donde me acostumbran a salir las ganas de hacer cada película: un día te imaginas a unas personas haciendo algo que te parece tan estimulante que no te lo puedes quitar de la cabeza. Normalmente se trata sólo de un espejismo, un momento visual, algo minúsculo. Entonces vas tirando del hilo y te pones a escribir. Cuando acabas, o antes de acabar si eres tan impaciente como yo, llamas a esas personas para preguntarles si se animarían a jugar contigo a una cosa que se te ha ocurrido. En el caso de FAQ el juego consistía en construir una distopía como si fuéramos franceses.

AP: Al parecer dentro de poco se estrena un filme con varios cortometrajes con el objetivo de descubrir una Scream Queen. ¿Qué nos puede adelantar de este interesante proyecto?

CA: Desde hace pocos años estamos asistiendo a un renacimiento del cine fantástico en España. Ya era hora. Pues bien, el año pasado por estas fechas di en pensar tres cosas que en realidad son sólo una: 1) Que allí donde se produce con asiduidad cine fantástico hay “scream queens”; 2) que, a pesar de encontrarse España de nuevo entre esos lugares, aquí no hay “scream queens”; y 3) que la actriz Arantxa Peña reúne todos los requisitos para ser una perfecta “scream queen”. Así que decidí desempolvar mi bata de Dr. Frankenstein, enchufar el pararrayos y fabricar a la “scream queen” española. Corrí la voz y el proyecto despertó interés entre muchos realizadores pero al final quedamos cuatro: Víctor Conde, Albert Pons, El Chico Morera y yo. El proyecto, titulado “Pulque 51”, consistía en filmar cuatro cortometrajes que dejaran bien patente lo bien que nos lo habíamos pasado rodándolos. Las premisas eran muy sencillas: debían compartir protagonista (Arantxa Peña), estar inspirados en los géneros de “exploitation” (ciencia-ficción, terror, crimen, erotismo, etc.), ser un poco gamberros y estar rodados en tiempo récord con un presupuesto muy bajo. Lo hemos conseguido y en febrero hacemos una presentación pública en Madrid. Víctor ha rodado un corto al estilo de la ciencia-ficción americana de los años 50, Lesbos Invaders from Outer Space!, Albert una historia de sangre y violencia, Cleo, a Girl Like a Mandolin, El Chico Morera una futurista, Omicron, que aún no he visto, y yo una cosa muy extraña titulada Scream Queen, de estética bastante setentera y género inclasificable. Ahora ya no nos podemos quejar, por fin tenemos “scream queen” nacional. Los americanos ya están pujando por Arantxa.

AP: PROXIMA parece recorrer un camino semejante al de su primer largometraje ¿Puede explicarnos de qué otros artistas recoge ese inusitado estilo? ¿Realmente que pretende abarcar con su obra?

CA: Creo que lo único que comparten FAQ: Frequently Asked Questions, que es una distopía futurista, y PROXIMA, que es una odisea espacial, es el género de ciencia-ficción. Por lo demás son muy distintas, aunque siempre hay quien dice que todas mis películas se parecen. No sé en qué se parecerán, pero algo habrá porque todo sale de una misma cabeza, la que me aguanta las gafas. Esa insistencia en la ciencia-ficción proviene de mi afición al género y también de la desazón y asombro que me provocaba que no se produjera nada así en España (por lo visto lo mío es ponerme a rellenar huecos). Pero no pienso obcecarme. No voy a seguir rodando ciencia-ficción hasta el fin de mis días. Mis intereses son más amplios, desbordan la ciencia-ficción e incluso el género fantástico. Siempre tengo un ojo puesto en el cine histórico, por ejemplo. Pero no hago planes a largo plazo ni riego mi obra como si fuera un jardín. Concentro siempre todas mis energías en sólo una película, en ésa en la que me encuentre trabajando.

AP: La distribución de un cine tan arriesgado supongo debe ser ciertamente dificultosa ¿Cómo consigue interesar a las distribuidoras para que arriesguen con temas tan poco explorados? ¿Cree que alguna vez podremos ver alguno de sus filmes en cines con una distribución adecuada o es el DVD la máxima aspiración?

CA: Mi máxima aspiración es hacer llegar al público mis películas y ganar con ellas el suficiente dinero para seguir haciendo más. No me quita el sueño que no lleguen a los cines. El formato es lo de menos. Al final absolutamente todo se distribuirá a través de internet, tanto a los hogares como a las salas comerciales, lo único que variará será el tamaño de la pantalla. Los DVD’s desaparecerán antes de lo que imaginamos. En cuanto a las distribuidoras… Para mí son como las mujeres, un misterio insondable. Preferiría vivir rodeado de ellas, solicitado por sus demandas, quiero que me arrullen como lo quiere cualquier cineasta, pero no sé qué buscan ni de qué hablan cuando no estoy delante. De momento y hasta que me dejen acompañarlas al lavabo mis películas están disponibles en DVD (una de ellas, por cierto, gracias a una distribuidora de Estados Unidos especializada en cine independiente).

AP: Usted también es escritor ¿Qué nos puede contar de su obra? ¿Donde podemos encontrarla?

CA: Fácil: en mis películas, que están basadas en mis guiones. En los montajes que de vez en cuando alguna pequeña y audaz compañía realiza a partir de mis textos teatrales. En artículos dispersos por el ancho mundo y en algunos libros que pueden adquirirse a través de internet. No sé qué decir de las cosas que escribo. Prefiero que opinen los lectores. Lo que me han dicho hasta ahora son cosas bonitas.

AP: ¿Quiénes son sus directores y filmes favoritos? ¿Género preferido? ¿Sus escritores más admirados y libros que recomendaría?

CA: Hombre, no esperarás en serio que te responda a esto. En mi vida habré visto aproximadamente unas 10,000 películas. Tengo muchos directores favoritos y no querría dejarme ninguno. Con los escritores me pasa lo mismo. Diría el primero que me viene a la cabeza y eso no sería justo. La lista es interminable y muy aburrida de leer. Te diré, eso sí, las películas con las que más he disfrutado en los dos últimos años: Tideland de Terry Gilliam, El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford de Andrew Dominik y Pozos de Ambición de Paul Thomas Anderson.

En cuanto a libros, La Carretera de Cormac McCarthy es el que más me ha impresionado desde que leí El Cero y el Infinito de Arthur Koestler. Dos historias para no dormir, que diría Chicho Ibáñez Serrador. Dos pesadillas de tomo y lomo. Ah, y descubrir a Pablo d’Ors a través de Andanzas del impresor Zollinger ha sido un auténtico placer: tenemos a un gran escritor entre nosotros, verdaderamente grande, uno que no tiene nada que envidiar a Stefan Zweig, lo que se dice pronto.

AP: ¿Alguna vez pensó en realizar algo más comercial para conectar mejor con el gran público? ¿O seguirá fiel a su estilo?

CA: Pienso tanto en mi estilo como los peces piensan en el agua. Está ahí pero no reparo en él. Si alguien es fiel a alguien, es mi estilo a mí y no al revés. Pero a lo que sí voy a seguir siendo fiel es a rodar siempre lo que me dé exactamente la gana, hablando de lo que me interese y de la forma que quiera. Si esto coincide con la comercialidad y llega al gran público, pues mejor. Pero me temo que esta cuestión no es tanto un problema mío o del público como de los canales de distribución. Yo no hago películas con ánimo “anti-comercial”. No soy un solipsista, no escribo ni dirijo para mi trastero. Deseo que el público disfrute con lo que hago, y lo que hago es lo mismo que me gustaría ver como espectador (o por lo menos eso pretendo). Tengo la certeza de que hay muchos espectadores, no todos pero sí muchos, que comparten mis aficiones, van a ver las películas que veo yo y se ríen con los mismos chistes que me río yo. El quid de la cuestión está en llegar hasta ellos.

Y si el problema es mío entonces será porque hago películas “raras”. Pero, ¿de verdad son tan “raras”? Y si lo son, ¿acaso debería ser eso un problema? Si lo que hago es raro entonces es un triunfo porque lo que hago es diferente. “Raro” es un término peyorativo sólo en boca del espectador con gusto adocenado. ¿Debería adocenar entonces mi trabajo para llegar también hasta él? Si éste es el único camino prefiero quedarme en casa leyendo tebeos, que es una actividad mucho más placentera y menos peligrosa que rodar películas en las que no creo.

AP: ¿Qué recomendaría a todo aquel que quiere dedicarse al séptimo arte sin tener presupuesto para ello?

CA: Que lea Los trabajos del director. Mi libro no hará la película por él pero seguro que le resultará útil. No lo digo yo, lo dicen personas que se encontraban en esa misma tesitura y que lo han leído.

AP: Háblenos de sus próximos proyectos

CA: Justo ahora estoy metido de cabeza en el siguiente. Un largometraje en el que, de una forma u otra, llevo trabajando siete años. Lo empecé a rodar dos veces, escribí varios guiones… Pero esta vez será la definitiva. Esta película, que se me ha resistido tanto, se ha transformado ya en una cuestión de orgullo personal. El rodaje está previsto para otoño de 2009. Ahora estamos en la pre-producción. Buscando financiación y todo eso. Es una película sobre Aleister Crowley, el mago inglés. Espero que despierte menos odios que admiraciones.

AP: Gracias por su tiempo.

CA: A ti por el tuyo.

AÑO
2007
DURACIÓN
105 min.
PAÍS EEUU DIRECTOR Rob Schneider GUIÓN Josh Lieb MÚSICA John Hunter FOTOGRAFÍA Victor Hammer REPARTO Rob Schneider, Jennifer Morrison, Tsuyoshi Abe, T.J. Amato, Chris Astoyan, Erik Betts, David Carradine, Randy Couture, Barbara Dodd, Federico Dordei, Robert Flores, Joseph Fossum-Perez, Don Frye

SINOPSIS
Un ejecutivo esta realmente aterrado ante el echo de ingresar en prisión contrata un maestro en artes marciales para que le enseñe a defenderse en el duro mundo de la cárcel.

CRÍTICA
El Gígolo Rob Scheneider es uno de los actores más insoportables de la actualidad por mucho que se disculpe bajo el lema de comediante sin grandes aspiraciones. Que encima se meta a director puede ser catastrófico. Cuenta con el Kill Bill David Carradine en su eterno papel de siempre.

Los filmes carcelarios nos dieron grandes títulos como por ejemplo el hombre de alcatraz, la fuga de alcatraz, cadena perpetua…etc. No evidentemente este va a ser el caso pues es solo una vulgar comedia de chistes fáciles y bien masticados para no hacer pensar demasiado al espectador.

Rob Schneider asume el protagónico absoluto con mucha energía pero sin la magia necesaria como para lograr puntos altos desde lo cómico, siempre encasillado en ese papel de comediante hiperactivo que basa todos sus argumentos en el despliegue físico y sus ademanes gestuales. Suena algo reiterativo, y la verdad es que vuelve a ser cargante. La dirección es plana y técnicamente aceptable aunque su puesta en escena recuerde al típico telefilme. No creo que este hombre pase a la historia ni como actor cómico ni mucho menos en la dirección.

Lo Mejor: El despliegue físico del protagonista.
Lo Peor: Un guión tópico y chistes muy manidos.
Un 3,5.

TITULO ORIGINAL: Nympha GÉNERO: Terror
PAIS: Italia DURACION: 92 Minutos AÑO: 2007
DIRECTOR: Ivan Zuccon GUION: Ivo Gazzarrini
INTERPRETES: Alessandra Guerzoni, Caroline De Cristofaro, Giuseppe Gobbato y Tiffany Shepis PRODUCTOR: Ivan Zuccon
MUSICA: Richard Band FOTOGRAFÍA: Ivan Zuccon MONTAJE: Ivan Zuccon

SINOPSIS
Una mujer intenta dar un giro a su vida metiéndose a monja, pronto descubrirá las torturas que se le avecinan.

CRÍTICA
Ivan Zuccon no es un director demasiado conocido en España, no obstante en Italia por lo que pude leer triunfó por todo lo alto con la casa olvidada en la televisión y repite el éxito en cines con la explotación Nimpha.

El terror siempre ha buscado en los conventos esas explotaciones fáciles donde las enviadas de dios sienten deseos blasfemos siendo castigadas duramente por sus superiores. Es decir un caramelo apropiado en pos de ofrecer sexo, tortura, deseos ocultos en un recurso cinematográfico que por ejemplo utilizara Amato en 1979 en imágenes de un convento o las movidas de posesiones demoniacas a una pobre monja servía como pretexto a fulci en demonia (1990) ofreciendo otro de sus carnavales de vísceras.

Nympha no es una excepción aunque debe decirse que intenta sobrevolar por encima de la simple carnalidad en un guión ciertamente más desarrollado donde se trazan varias temáticas alrededor de sus escenas salvajes. Zuccon demuestra su pericia también en el arte de la fotografía dotando de gran elegancia estética sus conseguidos planos. El tema paranormal consigue incluso atraer la atención del espectador en una densidad claustrofóbica muy lograda derivando en cierta angustia. Buena banda sonora, vestuario y unos decorados que representan fielmente la época que se narra confluyen en su totalidad en un filme sorprendente que provoca reacciones siendo superior a común explotación aunque no por ello esta exento de la materia prima que promete.

¿Dónde se encuentra sin duda su gran error? Pues no se en que pensaba el realizador al escoger a Tiffany Shepis. Una chica que es resultona en un filme de la troma del tipo tromeo y Julieta o con su vis cómica es perfecta para todo tipo de comedias terroríficas y papeles donde solo tenga que gritar y enseñar sus encantos.

Corpses, Zombies Zombies Zombies son ejemplos recientes. Lo malo es querer hacerla creíble en un papel serio donde debía interpretar a una mártir en toda regla ofreciendo el dolor tanto emocional como físico. Lo único que ofrece la pobre es mediocridad, aunque hace lo que puede su talento es limitadísimo y claro siendo la protagonista es una carga importante difícil de saltar. Por poner un ejemplo cuando la torturan su rostro en sitio de mostrar dolor parece que tiene un orgasmo. Realmente es una pena.

Lo Mejor: Un guión elaborado por encima de la media, su elegante fotografía.
Lo Peor: Tiffany Shepis.
Un 5,5.

TITULO ORIGINAL: Maldito Bastardo GENERO: Terror PAÍS: España
AÑO: 2007 DIRECTOR: Javi Camino GUION: Javi Camino
INTERPRETES: Álvaro Novo, Juanillo Esteban, Matías Nicieza y Pilar Miguélez PRODUCTOR: Álvaro Novo

SINOPSIS
El filme nos traslada dentro de un mundo rural de la Galicia más profunda. El doctor Natalio llevara al límite sus experimentos en un cuento lleno de humor negro.

CRÍTICA
Antes de nada agradecer al director Javi Camino su envío pues al fin pude disfrutar de esta especie de secuela de la consulta del doctor Natalio donde repiten tanto el propio Javi en la dirección como los actores en sus mismos roles. Resaltar a Tamar Novas que se llevara un goya por su papel en Mar Adentro.

Un guión totalmente desquiciante demuestra la desbordante imaginación de su autor que ofrece altos contenidos de explotación, altas dosis de gore pasando por el comic, el documental, cine camp y surrealismo. Impresionante la escena del mimo que no desentonaría en una de Lynch por citar solo una referencia de tantas. Lo que crea el visionado de este trabajo es un universo único e irrepetible ya que la trama se encuentra encorsetada en un cuento, en esa narración se descubre un mundo atemporal fusionado en una estética expresionista.

Yo la describiría un filme con tres dimensiones, la narración que un anciano cuenta a su nieto, se conjuga con un mundo real aunque pasando por el documental.

Toda esa maquinaria de ideas se lleva a cabo con un presupuesto casi inexistente lo que no priva al creador de dotar al desquiciante argumento de todo tipo de criaturas. Médicos enajenados, arboles vivientes, robots inteligentes, hombres de paja y la propia familia protagonista.

Unos efectos especiales, fotografía, banda sonora y música brillantes con el merito añadido de una producción que bascula dentro del amateurismo. Bien es verdad que la cámara empieza a marear en ocasiones y que en el tramo final el filme sufre una cuesta abajo. Sin embargo divierte a la vez sorprende en su continua experimentación de colores y texturas en ese mundo paranoico sacado de la mente de un auténtico renovador del género.

Lo Mejor: Un guión que sabe columpiarse por muchos géneros diferentes y su corrosivo sentido del humor.
Lo Peor: Se alarga innecesariamente y la cámara es mareante.
Un 7,5.

Muchas gracias por su aportación y por su confianza, que considero un privilegio, en la medida en que el texto que envía es resultado de su muy respetable labor creativa. Le comunico, desde ya mismo, que su texto se ajusta al formato de la sección “Cosecha de Letras”, por lo que podrá ser leído/recitado en próximas fechas en el programa.

Si está interesado en que se mencione algún otro dato acerca de usted y/o su obra (una breve reseña curricular), le ruego me lo facilite, enviándolo a esta dirección de correo electrónico, así como cualquier otro asunto que quiera hacerme saber.

Lamento no poder indicarle aún la fecha exacta en que será leído su texto, pero en la medida en que me sea posible se lo comunicaré con antelación, a través de correo electrónico.

Atentamente,
Juan Patricio Peñalver.

La cadena radiofónica A la ribera del Thader pasara mi breve ralato entre las esquinas. Como pueden ver no me indican todavía la fecha en el mail pero estare atento a las noticias y en cuanto me avisen yo hare lo propio.

Veo que las editoriales me hacen ofertas, me aceptan mis relatos en la radio. Al final resultara que se escribir y todo XDDDDDDDDDD.

DEMONS
Que grandes recuerdos en un cine desvergonzado que no se ponía límites y caminaba sin pretensiones al puro divertimiento.

DEMONS 2
Inferior a la primera entrega pero igualmente disfrutable.

MARTIN
Romero ofrecía una nueva forma de ver el vampirismo en un filme dramático lleno de dolor y desolación.

BAHIA DE SANGRE
Todo un precedente de lo que después sería el exitoso slasher Viernes 13.

Titulo original: Art School Confidential
Dirección: Terry Zwigoff
Guión: Daniel Clowes (Cómic: Daniel Clowes)
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 102 min.
Género: Comedia
Interpretación: Max Minghella, Sophia Myles, John Malkovich, Jim Broadbent, Anjelica Huston, Ethan Suplee, Matt Keeslar, Joel David Moore

SINOPSIS
Un joven artista se apunta a una pequeña escuela de arte con el sueño de convertirse en un mito.

CRÍTICA
Llega directamente al video club sin estreno en salas comerciales el nuevo trabajo tras Ghost World del autor de cómics Daniel Clowes y el director Terry Zwigoff. Una de las parejas más corrosivas, críticas y fascinantes del panorama actual siendo para la ocasión el mundillo de las escuelas de arte y sus alumnos snobs el centro de la diana con la que ambos forman un discurso tan malvado como desalentador con la ayuda de unos perfectos John Malkovich de plena actualidad por el estreno el intercambio, la protagonista de la serie Moonlight Sophia Miles y en un brve cameo la ganadora del orcar por el honor de los prizzi Angelica Huston.

Un viaje que navega en el mundo de Jerome “bien interpretado por el desconocido Max Minghella al que vimos en syriana e hijo del fallecido director del paciente ingles Anthony Minguella”. Se nos cuenta el día a día de un personaje mediocre que tiene cierto talento para dibujar bocetos y con ello quiere imitar a Picasso escapando de su rutina habitual convirtiéndose en una estrella para de esta forma aplacar su ego y disfrutar de sexo.

El último plano refleja, años después, la victoria de Jerome. Sus experiencias en la escuela de arte Strathmore, que constituyen el grueso de la película, le han enseñado a formalizar una pose que al colmar las expectativas de los demás le ha garantizado ciertas contraprestaciones. A costa, evidentemente, de falsificar sus señas de identidad.

Es una toma compleja. Vemos en plano medio a Jerome (Max Minghella), encarcelado por un crimen que no es tal y admirado por unos cuadros que no son suyos, besándose con su amor ideal, Audrey Baumgarten (Sophia Myles), en el locutorio de la prisión. Les separa una mampara de cristal. Los labios de ambos, por tanto, se depositan sobre la imagen que cada uno ha forjado del otro a su propia conveniencia, y en la que están atrapados. El vidrio imposibilita el contacto real entre ellos. Las sensaciones desagradables y los sentimientos de angustia que impregnaban el primer plano del film han dado paso a una representación placentera y consoladora.
Sophia no es inocente, su amor por Jerome surge de un malentendido y a lo largo del metraje ha demostrado una curiosa tendencia a verse atraída por los triunfadores.

Pero no ha llegado a vender su alma al diablo. Le ha bastado con la entrepierna —perdón, el corazón—. Prostituir las emociones nos condena únicamente a vivir y a marchitarnos sin dejar otra huella que la de nuestro patetismo. En cambio, ha fiado a la aceptación ajena su talante intelectual y artístico, y como resultado es amado y venerado como un icono de falsos valores, puesto a buen recaudo en una urna hermética. Su condena es eterna.

La fama a cualquier precio es la premisa básica de la historia, profesores acomplejados que todavía creen que algún día les llegara lo que se merecen, alumnos sin talento que transitan por sueños imposibles, al final solo importa la popularidad. ¿El talento? Es mejor obviarlo. Sigamos analizando esa fauna que impregna la pantalla.

Marvin Bushmiller (Adam Scott) es el triunfador, un antiguo alumno de Strathmore que se ha hecho de oro con una obra que se adivina tan desvergonzada como su comportamiento frente a los alumnos novatos de la escuela. Jonah (Matt Keeslar) es el artista naif, que consigue sin esforzarse todo lo que Jerome ansía. Y Jimmy (Jim Broadbent) es el outsider, el perdedor. Un monstruo que encarna la radicalidad artística cuyas consecuencias vitales el protagonista no está dispuesto a asumir.

Estos cuatro puntos cardinales orientarán con diferente intensidad a Jerome en su carrera hacia el éxito. Delatando, como lo había hecho esa escena temprana en la que el joven aparecía disfrazado de Picasso, que carecía de un rumbo propio, que jamás había sentido el arte como algo íntimo, ineludible. Que para él ha sido una máscara que salva del ostracismo social. Son en todo caso las estrategias de guión operadas por Clowes las que vuelcan ese significado en el plano final, y las que otorgan atractivo a la película para quienes hayan reflexionado alguna vez sobre las razones de la creatividad y las servidumbres del reconocimiento popular. Sin embargo se queda un poco a medias en sus pretensiones.

Lo Mejor: El plano final antológico.
Lo Peor: Técnicamente muy limitada en su bajo presupuesto y se queda a medias en su radical radiografía del mundo artístico.
Un 6,5.

Sr. Pons García Andrés

De mi mayor consideración:

Bookmark es una compañía dedicada a la distribución de libros en principio, radicada en Ciudad de Buenos Aires, desde hace ya algunos años.

Nuestra compañía se ocupa de los aspectos ligados al Marketing de los libros en toda América y Europa, en el año 2008 estuvimos presentes en las Ferias Internacionales de Bs As, Bogotá y La Feria Latinoamericana del Libro en Rosario con una repercusión sorprendente.

Con cierta fortuna hemos logrado posicionar nuestros libros en las principales librerías y distribuidoras de nuestro país y del exterior.

En el año 2007 hemos participado de las Ferias Internacionales del Libro en Bogotá, Guadalajara, Miami y Argentina, teniendo éxito en la colocación de nuestros ejemplares en la zona de Centro América y América del Sur.

Es ésta, una las razones por las cuales deseamos establecer contacto con autores de valía, creativos, y con una real vocación que nos permita establecer proyectos a corto plazo sin desconsiderar un futuro que cada día se nos presenta más cercano.

Vemos con agrado ahora la posibilidad de editar y publicar libros para autores que demuestren talento y que posean material atractivo. Sin duda usted es un autor de indudable talento y nos gustara contar con su obra.

Director
Bookmark

Esta es la carta que acabo de recibir, tendre que hablarlo con ellos y ya veremos que decido. De todas formas es realmente ilusionante quese fijen en mí.